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みなさん、こんにちは。 季節は夏から秋に移り、東京もずいぶんと過ごしやすくなってきました。 爽やかな風と光に誘われて、外へ出かけたくなる季節です。 私たちは渋谷区にある公共トイレの見学に行ってきました。 トイレの見学？と思いますよね。 今、渋谷区では区内17か所の公共トイレを新しく生まれ変わらせる「THE TOKYO TOILET」というプロジェクトを行っています。国内外で活躍している建築家やデザイナーが各トイレのデザインを担当し、現在までに7か所のトイレが完成しています。 はじめに向かったのは代々木にある「はるのおがわコミュニティパークトイレ」。建築家の坂茂氏の設計です。  全体の形は、多目的トイレ、女子トイレ、男子トイレの3つのボックスが並んだシンプルなもの。でも、なんと、中が透けて見えるガラスの箱なのです。それぞれ薄いグリーンやブルーの色がついたガラス張りで、人が入っていないときは外からも中の様子が見えます。  真っ白な便器や手洗いが置かれた色ガラスのボックス、現代美術のアートとして美術館にありそうな作品です。工業製品の便器もこうして置かれると、白い陶器のオブジェに見えてきます。  女子トイレの中に入ってみました。 鍵をかけると不透明になり、中は見えなくなります。写真の右端が使用中の状態。色はクリアなセロハンから柔らかなパステルカラーに変わる感じです。写真で見るといろんなものが映り込んでいますね。電圧のオン・オフで透明・不透明になる特殊なフィルムを使用しているそうです。 トイレの中は空間的にもスペースに余裕があり、外部との境界はガラスなので、トイレらしからぬ（？！）開放感があります。隣のトイレとの境は一面が鏡になっていました。真ん中の女子トイレは両側が一面の鏡なので、いっそう不思議な感覚を覚えます。こんな非日常的なアートな空間で用を足していいのかと、少し戸惑ってしまうほどです。  見学したのは日中ですが、夜に撮影された写真を見ると、行燈のように色ガラスを通した優しい光を放ち、いっそうデザイン性が際立ちます。 中が見える透明トイレ、斬新な発想と現代の技術によってできた新しいトイレのアイデアですね。これまで公共トイレというと、汚い、危険、入りたくない、というイメージがありましたが、外から見えることで清潔さや安全性を保つことにつながります。 何よりも、トイレでありながら現代アートの作品のようなものが街中にあるのはいいですね。私たちの目を楽しませてくれて、街の雰囲気も良くなる気がします。プロジェクトによって実現できた一つの実験ですが、トイレという建築の既成概念を開放させる試みとしておもしろいと思いました。実用的に公共空間に必要なものだからこそ、デザインを工夫することで、感性的にも人の心を豊かにするものが増えるといいなと思います。
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by k2_plan
| 2020-10-12 14:55
| スタッフのつぶやき
研修旅行の2日目は弘前から車で奥入瀬渓流沿いを走り、十和田湖を経て十和田市内へ向かいました。 奥入瀬渓流を通る頃は霧が立ち込め、雨風が冷たいあいにくのお天気でしたが、高い橋の上から眺める一面の紅葉は壮観でした。   十和田市は市民参加型のアートによるまちづくりに力を入れている街で、十和田市現代美術館はその中心となる施設です。 十和田市現代美術館   緑の芝の上に白い箱状の展示室が点在し、ガラスの廊下が建物の間をつなぎます。外壁は白く塗装された鉄板で統一され、目障りなものや色彩がなくシンプルです。建物だけでなく、箱と廊下を配置した残りの空間、いわば余白部分の形や見え方も、重要なデザインの一部として計算されているように感じました。    十和田という地域の特徴も関係しているのかもしれません。金沢は明治以前からの歴史の上にある街で、多くの歴史遺産や文化施設がひしめく中心地に21世紀美術館もあります。一方、十和田は近代以降に開拓された街だそうで、格子状の整地された道路はその特徴です。美術館も自然豊かな景色と余裕のある土地を活かしています。美術館の面する道路は日本の道百選にもなっているメインストリートですが、道を隔てた対面の広場にも芸術作品が点在します。美術館の展示室やカフェはガラスの壁面で道路に開けていて、街を美術館に取り込み、逆に美術館が街に溶け込み...、まさにアートの街づくりを考えた趣向です。 開拓地である分、遺産に固執することなく、街ぐるみでの画期的な取り組みの可能性に力を傾けられるということもあるでしょう。この美術館の展示室の大半は開館当初から各作品のために特別に設計されていて、作品を体感する空間を意識してつくられているのですが、公共の美術館ではなかなか思い切った挑戦ではないでしょうか。十和田という小規模の地方都市だからこそ、実現できたのかもしれません。 美術館の近辺には、隈研吾設計の市民交流プラザや安藤忠雄設計の図書館などもあります。 市民交流プラザ「トワーレ」     あくまでも鑑賞の対象は展示された芸術作品で、美術館は作品を置くための施設に過ぎない、というのが明治以降の日本に定着した「美術館」ですが、近年は様々な特徴をもった美術館が開館していて興味深いですね。「美術館」に限らず、俯瞰的にみると、建物は街全体をアートに見立てる視点に誘う存在でさえあります。そんなことも今回、実際に現地に行って、体験して感じることができ、とてもよい経験になりました。 ▲
by k2_plan
| 2019-10-24 18:17
| スタッフのつぶやき
皆さん、こんにちは。 10月18日-19日に事務所の研修旅行として青森県へ行ってきました。 JIA（日本建築家協会）の全国大会が青森の弘前で開催されることに併せて、今年は青森・弘前・十和田を周遊しました。 行きは羽田発、青森行の飛行機を利用しましたが、この日の朝の東京は雨でしたが、東北方面は素晴らしい晴天で、上空からは美しい紅葉の山々を眺めることができました。遠景の山が紅葉でほんのり赤く染まっています。遠くから眺める紅葉もいいものですね。   青森空港から車で移動し、三内丸山遺跡と青森県立美術館を見学しました。 三内丸山遺跡は日本最大級の縄文集落跡で、柱や墓穴等の遺構が保存され、竪穴住居や高床倉庫などの復元を見ることができます。   特に大型掘立柱建物は直径2ｍ高さ約15mという巨大な建造物が復元されており、実際に近くで見ると壮観で、圧倒されました。当時の人は人力だけで木材を運んでくみ上げたわけですから驚きです。   三内丸山遺跡からすぐのところに青森県立美術館があります。 写真で見ると真っ白な外壁にイルミネーションが映え、明るいイメージを持っていましたが、実際に近づくと白く塗装されたレンガの継ぎ目が見え、何となく、ずっしりと積み重なる雪の厳しさも連想させます。 この美術館は青森県出身の奈良美智さん作の「あおもり犬」でも有名です。  この美術館の建物の構成は隣接する三内丸山遺跡の発掘現場に着想を得ているそうですが、この「あおもり犬」も地中から発掘されたような配置ですね。さらにこの地方の雪に閉ざされる厳しい冬の閉鎖的な風土も表現しているようです。美術館の建物と展示作品が一体化して、この場所でしか体感できない空間を実現させています。 写真では正面からしかわかりませんでしたが、背面から見た時の肩のあたりのフォルムが、ずっしりと何かを耐えているようで、何とも言えず印象的でした。    今年のJIA建築家大会は「津軽からの再生―生きつづける近代建築とまちづくり」というテーマで弘前で開かれました。
江戸時代に弘前城を中心に城下町として栄えた弘前は、明治以降も政治、文化、軍事の中心となり、西洋建築を取り入れた近代的な建物が建造されました。 現在も、江戸以前から引き継いだ弘前城や武家屋敷、寺院群などと、明治以降の擬洋風建築、戦後のモダニズム建築などの歴史的建造物が層をなして保存、活用され、まちづくりの中心になっています。 江戸以前の歴史の土壌の上に明治以降の歴史があり、歴史的建造物が保存され、それらを活用したまちづくりを行っている地方都市のひとつです。北陸の金沢などもそうですが、お城を中心に美術館や大学、図書館などの新しい文化施設が加わり、観光だけでなく市民参加のまちづくりに力を入れている点で共通点があり、これからの地方都市の方向性の一つとして注目したいですね。 ▲
by k2_plan
| 2019-10-21 17:58
| スタッフのつぶやき
皆さんこんにちは。 9月に入り、東京でも朝晩は秋の気配を感じる季節になりましたね。 ところで、9月1日は何の日かご存じでしょうか？ そう、「防災の日」です。 1923（大正12）年9月1日に発生した関東大震災の教訓を後世に活かすために制定された日です。 この日の前後には、全国各地で防災に関連したイベントが企画されています。 新宿区でも、9月1日（日）に戸山公園で「防災フェスタ」が開催され、本多建築設計事務所のスタッフも運営サポーターの一員として参加しました。 https://www.city.shinjuku.lg.jp/content/000267552.pdf  子どもからご年配の方まで、数多くの方々が来られ大盛況でした。   防災落語は笑いに織り交ぜて耐震に関心を持ってもらう内容となっており、年配の方々に盛況でした。 また、子どもたちには、筋交いの有無の違いを確かめる模型づくりを通して、建物の耐震化を身近に感じてもらいました。 東日本大震災をはじめ各地で大規模地震による被害が発生し、首都直下地震の確率上昇も発表される中、 近年、特に新宿区では地震をはじめとした防災の活動に力を入れ、建物の耐震化への助成も強化されています。 各地区で防災、耐震への取り組みが行われていますので、防災フェスタのようなイベントが、広く知っていただくためのきっかけになれば、と思います。 ▲
by k2_plan
| 2019-09-02 17:37
| スタッフのつぶやき
こんにちは。建築を勉強中のスタッフAです。 今回はあえて設計図面としてよりも絵画作品として鑑賞する観点で振り返ってみました。 建築図面は、建物を建てるという目的を達成するために描くもので、はじめからそれ自体を芸術作品と意識したものではありません。 建った建物を完成した絵に例えれば、図面は下書きに当たるかもしれません。 下書きでありながら、緻密に計算しつくされ完成の域を極めた下書きです。 そして完成した建築物とは別の、図面だからこそ人の心に響く点もあるように思います。 本展で展示されている安藤忠雄の初期（1990年代以前）の建築原図は手描きで、平面図や断面図といった２Dの図に3Dの透視図や投影図、詳細な部分描写、あるいは敷地の配置、等高線などが巧みに重ねて描かれていたりします。 手書きだからこそ、1枚の図面に精魂を込めて描いている様子が感じられます。 私は、漠然とですが、精緻で透明感のある美しさを感じました。 透明感を感じたのは、トレーシングペーパーに鉛筆・インクという画材によるところが大きいかもしれません。 と言うと当たり前のことのようですが、画家が表現のために画材に神経を使い工夫することを考えれば、何を用いて描くかは図面の表現を左右する重要なポイントです。 トレーシングペーパーはその名の通り、トレースという図面を描く上での実用的な利点のために使用するものですが、作品のメディアとして、表現に寄与する特徴もあります。 地の紙が半透明であることによって、線が2次元の紙の表面ではなく、3次元空間に浮いているように見え、線が紙に固定されず、流動的に発生消滅するような不思議な感じがあります。空間と時間の存在を内包し、変化し揺蕩（たゆた）うような印象です。 この自由で変化する印象は、安藤の初期原図の描き方、表現の特徴ともよく合致し、相乗的効果を挙げていると思います。 初期原図の特徴のひとつは、1枚の図面の中に多様な視点からのパースペクティブを巧みに重ねて描く点です。 平面、断面、立面といった一般的な設計図面の視点は、いわば非現実的な紙面上の視点ですが、そこにパースや部分詳細図というリアリティのある図を組み合わせています。 一般的な設計図面でも部分的に細部を描いたり、省略したり、それは遠近感や紙面の見やすさのためではあるのですが、これもあえて完結しない浮遊感につながります。 美術には詳しくないのですが、変化し揺蕩う印象は、マネやセザンヌの印象主義と、そして、一枚の中に多様な視点を組み合わせる手法は、ピカソなどのキュビズムと重なるところがあるように思います。 そういえば、浮世絵でも昼と夜、複数の視点など、一画面に空間と時間を混在させていたりしますね。 建物の印象も固定されたものではなく、人の視点によって常に変化している...私には「方丈記」の一節がおぼろげに思い出されます「ゆく河の流れは絶えずして、しかももとの水にあらず。淀みに浮かぶうたかたは、かつ消えかつ結びて、久しくとどまりたるためしなし...」（方丈記） この現れたり消えたり、変化する印象は、建築家が手を動かして描いていく過程、構想イメージの過程の生き生きとした様子をリアルに伝える表現としても適っているように思います。 絵画や彫刻などの下図も完成の前段階だからこそ、縛られない自由さ、躍動感、未来への期待感のようなものが感じられたりします。 安藤の初期原図にも、理想の建物をゼロから生み出していく活気、創造性、それを表現するための試行錯誤、意気込みが溢れているように感じました。 数十年前に描かれた図面ですが、まさに今この瞬間に創造されつつあるようなリアルな感じが伝わります。 僭越ながら、建築原図の展覧会から自由に考えを膨らませてみました。 建築はいろんなところにつながっていて、あらためて面白いなあと思います。 ▲
by k2_plan
| 2019-07-15 12:52
| スタッフのつぶやき
こんにちは。建築設計を勉強中のスタッフAです。 事務所の皆さんと一緒に、国立近現代建築資料館にて開催中の安藤忠雄展を見に行ってきました。 http://nama.bunka.go.jp/kikak/kikak/1906/ 地下鉄の湯島駅から歩いていったのですが、googlemapをたよりに資料館の場所まで来たものの、入口が見つからず...資料館に電話して入口の場所を教えてもらい、ようやくたどり着きました。 資料館は合同庁舎の奥、旧岩崎邸の隣にあります。 入るときは旧岩崎邸に入園するか、もしくは合同庁舎の門から入るルートしかないので、これから行かれる方はご注意ください。   ちょうど正方形に近い展示室の四方の壁面には「住吉の長屋」「六甲の集合住宅」「光の教会」などの代表作の原図が模型とともに展示されています。 ガラスの展示ケースは中心を取り囲むように円になって配置され、原図や模型のほか、手帳の一頁などもここに展示されています。 中央の円形テーブルには青焼き図面の製本が閲覧用に置かれていて、自由にページをめくって見ることができます。 館内はルールを守れば、写真撮影もOKでした。 こじんまりとした資料館ですが、一つの空間の中に無理なくまとまっています。 一度に見るには広すぎず、じっくり鑑賞したい人にはちょうどいいかもしれません。 展示ケースが円形に配置されているので動線が途切れることなく、一通り見終わってから、もう一度見たい作品の場所を行き来するのもスムーズです。 この日は平日の日中でしたが、20人程度のお客さんがいて、皆さん熱心にご覧になっていました。 派手な展覧会ではありませんが、建築に何らかの関心を持つ人にとっては、設計原図が見られる貴重な展覧会なんですね。 落ち着いてじっくり見られる雰囲気がいいと思いました。 私たちが訪れた時は展示図録の冊子が一人一冊無料で配布されていました。 展示されている主要な図面や模型が鮮明な写真で掲載されていて、解説も充実しており、無料配布とは思えない資料です。 数量限定のようなので、（もしかしたらもう配布終了しているかもしれませんが）ぜひお早めに。  ▲
by k2_plan
| 2019-07-14 12:50
| スタッフのつぶやき
こんにちは。スタッフAです。 完成しました！ アルヴァ・アアルトの建築、サウナッツァロのタウンホールの模型です。  引いて写真に撮るとなんとなくの雰囲気は伝わるでしょうか。 中庭へ向かう階段です。 組立では一番苦労しましたが、こういった細部は近接撮影して写真で見ると、小人になったような面白さがあります。   このペーパークラフトのキットもその時にお土産で買ってきたものです。     実際に訪れた人の話を直接聞いて写真を見ていたことも重なって、なんだか私もこの建物に愛着がわいてきました。 ▲
by k2_plan
| 2019-05-01 09:55
| スタッフのつぶやき
こんにちは。スタッフAです。 4月23日の朝日新聞の夕刊にフランク・ゲーリーのインタビュー記事が掲載されていました。 https://digital.asahi.com/articles/DA3S13989955.html?rm=150 「私の建築は日本の寺社」という大きな見出しが目に飛び込んできます。 掲載されている写真はスペイン・ビルバオのグッゲンハイム美術館とロサンゼルスのウォルト・ディズニー・コンサートホール。 フランク・ゲーリーは、1929年にユダヤ系両親のもとにカナダ・トロントで生まれ、今年90歳になる建築家です。   ゲーリーの代表建築のひとつ、グッゲンハイム美術館です。
好き嫌いは分かれると思いますが、躍動感と量感で圧倒的な迫力があるのは確かですね。 ゲーリーは、自分のデザインの源泉にあるのは日本の伝統建築だと語っています。 わたしたち日本人がイメージする日本の伝統的な建築と、脱構築主義建築として知られるゲーリーの建築は、簡単には結びつきにくいものがありますね。 伊勢神宮や桂離宮の端正で品格のある様式美、そこに深い精神性や積み重ねられた歴史があることを思うと、「自らの建築は日本の寺社だ」と断言されることには、少し違和感を覚えます。 もっとも、それもゲーリーらしいところかもしれません。 ゲーリーが建築家として育った1950年代のアメリカ西海岸では、アジアが関心の中心で、特に伊勢神宮、桂離宮、清水寺などから触発されたとそうです。また、日本の古典音楽の雅楽にも傾倒し、自ら設計したウォルト・ディズニー・コンサートホールに雅楽演奏家を呼び、その舞台を見て、「自分の建築は日本の寺社なんだ」と感じたと言います。 記事では詳しいことは語られていないので、具体的な真意はわかりませんが、日本の建築や音楽に衝撃を受け、触発されたことは確かなのでしょう。 おそらく、日本の文化や伝統に対する理解は、日本人のそれとは異なっているはずです。 もちろん日本人と言っても一人一人異なります。 日本にルーツをもたない人の目から見た表面的な印象、それはそれで、ひとつの解釈です。 仮にその作品の精神性や歴史性を知らないとしても、美しい作品は人の心に響きます。 むしろ、余計な情報なしで感じ取る印象に、普遍的な本質が含まれていることがあるかもしれません。 ゲーリーは日本の雅楽と自身の建築に通じるものがあると語っています。美しいものから受ける印象は、音楽と建築というジャンルを超えて共通するものがあります。 ゲーリーの建築の話からは逸れるかもしれませんが、国内外、ジャンルを問わず、美しいものはどん欲に経験していきたいですね。 ▲
by k2_plan
| 2019-04-25 13:59
| スタッフのつぶやき
自然・人・建築の、様々な関わり方を重要視したことは、アアルトもRCRも共通しています。 アアルトの建築は、土地の自然の風景、光や風を取り込み、人に寄り添ったデザインが細部にまで及びます。 今回のアアルト展も「もうひとつの自然」というタイトルでした。 そして、RCRは、さらにもっと俯瞰した視点から、風景さらには世界の一部として建築をとらえているように思います。 RCR展のタイトルは「夢のジオグラフィー」でした。 RCRは、鉛筆や水彩のドローイングから設計のイメージを積み上げていき、模型はほとんど作らないそうです。設計のプロセスに水彩のドローイングと聞いて、はじめはなぜなのかわかりませんでした。 しかし、考えてみると、私たちが実際の建物を見る時の感覚は、図面や模型よりドローイングに近いかもしれません。 外部から建物を見る時は必ず、なんらかの風景の一部として目に映ります。光と影、風、霧、湿気、温度、、、常に時間とともに変化する空間のなかにあります。建物も人も、環境と切り離して存在することはあり得ません。私たちが知っているのは、刻々と変化する風景と建物の「印象」です。 そして内部に入ったら、五感を通して、自分を包むその全体として感じることになります。建物は自分と切り離されたオブジェクト（対象物）としての存在ではなくなります。 図面や模型は、頭で理解して初めて表現できるものです。 美しいもの、心に響くものを目にした時の感覚は、頭で理解するというよりは、五感全体を通して感じるもの、具体的に形にするのが難しいものではないでしょうか。 RCRがドローイングからイメージを創っていくというのは、建物を対象物としてではなく、変化する時間・空間の一部として、五感で感じる印象の一部としてとらえる視点ゆえなのかもしれません。 ▲
by k2_plan
| 2019-04-24 16:24
| スタッフのつぶやき
RCRアーキテクツの展覧会がTOTOギャラリー・間で3月24日まで開催されていました。 RCRアーキテクツは、1988年にラファエル・アランダ、カルマ・ピジェム、ラモン・ヴィラルタの3人により、スペインのカタルーニャ地方オロットに設立された建築スタジオです。 2017年のプリツカー賞をはじめ、国内外で数々の受賞歴をもつ注目の建築家3人です。 ちょうど、アルヴァ・アアルトの展覧会を見に行った、その日に、この展覧会も見に行くことができました。 アアルトは、北欧モダニズムの巨匠と言われる建築家。展覧会も、アアルトの建築の写真、模型、スケッチを見て、建築作品そのもの、またアアルトという建築家の歩みについて深く理解することのできる展示になっていました。建築作品の展覧会としては正統派のわかりやすい構成です。 一方で、RCRの展覧会は、展示の方法も斬新で、衝撃的なものでした。現代芸術のインスタレーションのような空間や、映像の投影による表現など、従来の建築作品展覧の枠にとらわれない、自由な発想による演出になっています。 展示そのものが、RCRの建築に対する考えを表現する重要な空間と言えます。 ▲
by k2_plan
| 2019-04-24 15:29
| スタッフのつぶやき
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